为什么“纯”摄影如此彻底地取代了绘画主义？

最初，第一批摄影师更关心摄影的科学技术而不是艺术，其结果主要是傻瓜和傻瓜。

这相对较快地改变了，最重要的运动之一是摄影画象主义，以像照片分裂国家这样的团体为代表。这种运动的总体思路是，摄影者通过摄影师的有意行为而成为艺术，而不是简单地代表镜头前的事物。通常，这涉及仔细的分期和照片处理。

在安塞尔·亚当斯（Ansel Adams），韦斯顿（Westons）和朋友的支持下，直机摄影有效地粉碎了这一运动。基本思想是简单地将“纯”照片作为艺术品来表现。以技术技能（当然包括构图和时间安排）记录镜头前的内容是摄影作为一种艺术形式的真正关键。

这个想法非常成功，象皮运动在二十世纪上半叶就死了。直率摄影师在传达信息方面是否是如此成功，以至于绘画大师变得无关紧要？这是20世纪的历史时机吗？或者是其他东西？

现在，在数字时代，每个人都摄影师，并通过精湛的自动模式提高了技术水平，皮特运动的信息是否再次引起共鸣？或者，相反地，软件将照片转换成可操纵的“数字艺术”的难易程度是否意味着对于独立摄影形式而言，纯正摄影的远景对于摄影最重要？

所以我们都在同一页上，这是绘画主义的定义：

通常，图片照片看起来缺乏清晰的焦点，以黑白以外的一种或多种颜色（从暖棕色到深蓝色）打印，并且可能具有可见的笔触或其他表面处理方式。对于摄影家来说，照片，如绘画，素描或雕刻，是一种将情感意图投射到观看者想象力领域的方式。

一个例子：

黑碗，1907年。乔治·西利。资源

我的观点：一种新技术，一种新的讲故事的媒体，试图通过模仿已经存在的其他东西（在本例中为绘画）来获得认可。在某种程度上，新媒体已被接受，并且不再需要模仿任何人。

我不认为我们需要更多的信息来解释绘画主义的兴起（“看，我们可以使照片看起来几乎像一幅画”）和下降（“没关系，让我们专注于摄影可以做到这一点”）绘画不能“）。

它甚至可以解释为什么绘画在自卫中变得抽象:)

维基百科上的抽象艺术：

从文艺复兴时期到19世纪中期，西方艺术一直以视角的逻辑和试图再现可见现实的幻觉为基础。

可以说，当摄影师只需单击一个按钮就能更好地实现视角和现实时，手工再现视角和现实的技能就变得不那么有价值了。因此绘画通过印象派，表现主义，立体派等方式，不再强调“再现现实”方面，而提出“艺术性解释”方面，以此捍卫自己的地盘。

最初，摄影试图追随，因为绘画仍然是艺术界的王者。这就是绘画主义的来历。

维基百科将直线摄影描述为一种从1880年代到1970年代的审美运动。在1930年代，它的定义是

纯粹摄影被定义为不具备技术，构图或观念的品质，任何其他艺术形式的衍生品。

因此，笔直的摄影可以被描述为摄影的独立运动，本质上声称摄影是一个孤岛，它本身就是一个整体，不需要其他艺术形式的臭气熏天。
我想成功的部分原因是追逐绘画是没有意义的，尤其是当绘画退缩到更高（更抽象）的地面时；部分认识到基本摄影中存在大量未开发的领域；根据摄影与绘画相比的自然优势，选择可防御的家庭草皮。当然，直接从相机上进行的工作要比繁重的操作少得多，特别是考虑到当时的工具。

在数字时代，我认为这样的绘画主义信息不会引起太多共鸣。在绘画是艺术事业的顶峰时期，绘画家们试图做到“如果我们愿意，我们可以看起来像一幅画”。

在数字时代，摄影已被接受，并且已经证明了它的独立性，并有绘画的流派，其中影响力去相反的方向，就像20世纪60年代写实和超写实在2000年。

在数字时代，艺术摄影师可能会想做与过去不同的事情，就像当代画家可能不会尝试模仿19世纪的绘画一样。50年后照搬安塞尔·亚当斯并没有什么荣耀。如今的摄影师拥有做Ansel Adams无法做的事情的工具，不使用它们会很愚蠢。

我希望将来，摄影将从电影，视频和计算机图形学等艺术形式中大量借鉴并可能融合。这是自然而然的演变：如果我们接受摄影作为讲故事的工具，那么更多用故事讲述故事的工具只能说是一种改进。

我认为重要的是要认识到直线摄影没有什么特别之处：这是一个具有重大历史影响的特殊风格运动，但是没有什么可以说这是摄影的唯一途径。与绘画相比，绘画历经数百年的风格运动，随着技术，社会和口味的变化，它们中的每一种都在时尚中脱颖而出。这不是一个或多或少的问题，而只是在给定时间在给定位置或多或少的时尚问题。

除了抽象艺术或幻想使现实主义无效之外，这些都不能使纯正摄影无效。它们只是不同的表达形式，不同的体裁，并且很可能和平共处。

让我们从一开始就解决主要的悬而未决的问题：“直摄影”（无论意味着什么）是摄影工具唯一合法使用的观念，与摄影术一样愚蠢和短视认为抽象表现主义是绘画的唯一合法艺术用途。两者都将单纯的媒介提升到艺术的地位，然后宣称对该媒介具有排他性。抽象表现主义在所有其他方面赋予了涂料及其应用优先权。“直摄影”反映了近200年前人类想出一种使阴影或多或少成为永久性阴影的方法。当时的交易大而多。到现在为止，新奇应该已经消失了。

所有艺术都是讲故事的。你知道吗？有时候，故事可能很简单，例如“我看到了这个故事，这让我很感动”。甚至“这个存在”。红色的颂歌，自然的宏大或错综复杂的表达，或者仅仅是为您的女儿在六岁时的表情记忆，这根本上没有错。但是纪录片只是摄影语言的基本使用，而摄影语言已从皮钦语发展为克里奥尔语。现在有比以前更大的词汇量，而且语法为我们提供的不仅仅是上下文相关的电报现在时。我们可以旋转诗歌，写小说和探索“假设” —那么为什么要限制自己甚至撰写精湛的新闻呢？

绘画主义的原始化身（及其在银基世界的后代）在很多方面受到阻碍。如今，对于大多数人来说，创建从未从未出现过的东西所涉及的技术难题（直到您实际上已经花了很多时间使用锋利的铅笔，6-0的貂毛笔或在放大镜下的Pasche Turbo喷笔），不知道），并且与捕获元素的行为相比，组合元素的行为几乎是简单的。所产生的大部分内容在技术上都是不好的，并且其中很多内容根本没有引起注意的唯一原因是因为人们对媒体不熟悉：他们根本不知道如何“阅读”照片。（你能想象今天有人迷上科廷利仙子或外质吗？？）要正确地做到这一点，就需要布景，服装，合作照明，大量繁琐的后期制作工作（没有错误），并且要尽可能地保持在实际可能的范围内（可以保留的姿势）几秒钟等）。因此，它主要关注“严肃的艺术”和“伟大的想法”，但是词汇和语法的词汇主要依赖于典故（例如《星际迷航》 TNG的塔玛里安剧集《达穆克》）。如果您不了解服装和组合物的图标含义，并且不了解背景绘画（例如，“爱丽舍菲尔德”），那么您只能凭其自身的审美价值来评判作品，而根本的信息就消失了。这就像看着早期的中世纪绘画，却不知道手势的肖像，也不知道那只鹰是传教士圣约翰。

好吧，在第一次世界大战中，人类和马匹死亡的人数要多得多。长老们的智慧，经典之作（后来被照料了导致狮子死亡的驴子），真神本身都在无人的泥土中丧命。人的土地。意义失去了意义¹，我们开始探索达达，超现实主义，符号学和最终融合为后现代主义的所有其他途径的意义的本质。世界转向眼前的现在，感觉过去不再有意义，明天可能永远不会到来。在大自然持久的地方，浪漫主义以一种新的紧迫感回到了它的根源：大自然是我们有权终结的永恒；我们为它的救赎负责，因为否则我们将成为它的死亡，必须学会敬畏。（而且不要误会，安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）没有临床现实主义者。为了表现出敬畏之心，他所做的一切都变得夸张而夸张，这与他的钢琴演奏饱受动感和喧嚣的影响大体相同。他是一个绝望的浪漫主义者。）

这恰好与技术的重大进步相吻合。实用的双高斯设计在很大程度上替代了Petzval镜头，甚至后来的设计也改变了相机的功能。相当敏感，有能力保留细节并出现大范围正色或全色的印版和胶片。您不仅可以拍摄“真实”和“现在”的照片，而且很难制造出令人信服的假货。这项工作将显示出来，而且很明显。付出足够的努力，您就可以将“不可能的东西”构建为一个集合，并保留目前最少的修饰（Dali Atomicus我想到了），或者您可以尝试将其组合起来（通常看起来像是一幅画而不是照片；我发现该概念的“纯粹摄影”表达，例如杰里·厄尔斯曼的作品，在大多数情况下完全令人信服）。尽管如此，一定数量的摆弄或与报道文学相结合的讲故事技巧始终是一件好事。每个人都知道安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）和爱德华·韦斯顿（Edward Weston）是有原因的，但是该死的很少有人听说过小怀特（Minor White）（谁可以当摄像头操作员和暗房技术员，用他们中的任何一个擦地板）。

尽管“直接摄影”具有合法性，但我们现在拥有可用来以一种真正令人信服的方式讲述各种故事的工具。其中一些故事是幻想，神话或科幻小说。有些人探索“为什么不”而不是“为什么”。我们是否真的需要建造庞大的场景或将我们的对象（和一小组设备）运到某个地点，以期在摩ri座融合正确的光线，正确的天气和月球以使表达合法？还是只是非法的使用的各种元素的影印本的真实性能表达这个故事被拍到？

不要让90％的尝试都是胡扯的事实困扰您。那只是St鱼法则在起作用。（坦白说，我认为ol'Theodore在那儿太慷慨了。）至少90％的“直板摄影”（我的意思是“严重的直板摄影”）也很烂，而数字加“ P for Professional”是“根本没有帮助。因此，胡言乱语是重点突出的，也是曝光良好的（对于曝光良好的某些价值）。传说中的故事仍将脱颖而出。优雅的诗歌将比含糊其词的调皮的打油诗更能引起共鸣。杰米·鲍德里奇（Jamie Baldridge）的作品比作一幅油画更令人不安和发人深省。约翰·保罗·卡波尼格罗（John Paul Caponigro）的沉静思考更加轻柔地窃窃私语，但带有更多的表述。

最后，您选择讲的故事是您自己的。无论是在外部还是在内部，您都无法在需要一个新单词或短语时就创造新的单词或短语，也不能从其他语言借用一个单词。没有人强迫历史学家写科幻小说，但没有历史学家有权说科幻小说某种程度上是人类思想的非法表达。

^{¹古典寓言和典故的死亡有多完整？TS艾略特的《荒原》为他的大多数同龄人和当代人所读。今天在学校学习过这本书的孩子，需要注脚和参考资料来查找圣经和神话中的典故，并且可能必须阅读整本书才能理解其含义。}

摄影的发展-从科学到艺术

摄影有两种人。那些想拍照的人，那些想创造艺术的人。当摄影年轻时，只有最初提到的人参与其中。照片不是可以在艺术中使用的概念。直到这些也想说些什么来创造艺术的人发现摄影很有趣。

绘画主义与艺术本身无关。在摄影还很新的时候，这是试图定义什么是摄影艺术。但是艺术是我们的感觉，而不是所使用的工具，摄影很快（仅100年）就被接受为创造艺术的工具，因此使绘画主义背后的思想无用。因此，问题在于摄影中的哪些变化使其成为艺术工具。

纪录片工具开始见美

再想一想在照相和拍照之前的情况。那是画家，特别是肖像画家的时代。第一次“战争”不是在摄影师之间，而是在画家和摄影师之间。画家们以有钱人的肖像为生。摄影开始涉足肖像画行业时，这是画家的危险处境。

画家的论据之一是，一张直的照片不能使主体看起来更好。画家是唯一能够讨好对象并永远以一种有利的方式使他/她被记住的人，因为只有画家才能根据需要扭曲和旋转图像。摄影寻求解决这一挑战的方法，这就是我看到这种绘画主义的方式。但是，直接的摄影师只需要学习如何使他们的主体看起来不错，而无需“艺术性”的操作即可。

成长为独立摄影的方式

这样的绘画运动死于二十世纪上半叶。直率摄影师在传达信息方面是否是如此成功，以至于绘画大师变得无关紧要？

摄影主义是摄影被接受为创造艺术的一种方式。换句话说，它正在寻求以沉默的道歉接受通过纪录片工具侵入艺术界的接受。

在这种情况下，邻里被绘画为艺术品。照片作为媒介与绘画是如此接近，以至于不可避免会有新的块状效果。您必须证明自己的价值。就像肖像画vs肖像照片一样，总的来说就像画家说“你不能做这个”，然后得到摄影师的回答“是的我可以”，然后是炫耀。那是绘画主义，或更确切地说，这就是其他一切背后的“为什么”。还有“为什么绘画主义如此迅速消失？”的答案。迟早会发生，这是什么？这是直接摄影！真实的纯像素锐利图像。这样一来，摄影成为成年人，就可以继续自己的独立生活，不再需要证明任何东西。

老总是受到年轻的挑战

但是今天绘画主义仍然存在吗？是的，如果我们考虑年轻摄影师向老摄影师证明自己的价值。我不会称它为绘画主义。只做过数字的人通常无法想象在胶片上摄影时会遇到什么困难。不久之前（现在仍然是）数字需要向他们的电影同事证明自己的价值。新旧之间的争论是永恒的，而现在的新事物可能会变老，或者失去争论并死于年轻。

摄影中的关键词是“学习”。这个想法有点类似于问答，很难，让我们去购物是在某种意义上说，很难获得高技能和才能使您的主题在直拍摄影中看起来不错，但是在相当容易的情况下就可以购物，以获得更好的设备和功能强大的软件更改照片以填补原始照片和期望之间的差距。

接下来，摄影？

..软件将照片转换成可操纵的“数字艺术”的难易程度是否意味着纯正摄影的愿景对于摄影作为一种单独的艺术形式而言最重要？

不知道我是否理解。摄影是一种艺术形式，无论是被操纵还是被扭曲，还是纯平直的摄影。真的什么是数字艺术？

我认为数字艺术显然不只是一张照片，任何人都可以看到。可能有完成工作的照片，但仍将其视为数字艺术而非摄影艺术。

两张示例照片：

这是一张照片。从相机的存储卡直接取出，我没有做任何调整。如果我们不算数码相机从图像传感器获取像素信息时的神奇效果，我们可以称其为“纯”照片。

下一个：

这是数字艺术，由我11岁的儿子完成，他想给我留下他对我为他两岁姐姐拍摄的照片的印象。当然那里有照片，但是显然属于数字艺术类别。

只有未更改的照片才直吗？

到底在哪里画线？在RAW优于JPEG的优势的好例子下，有一个很好的例子说明了后处理的强大功能，尤其是@EtienneT 的一对照片的答案之一。为什么调整后的照片不是摄影艺术而是数字艺术？对我来说，即使进行了所有调整，它仍然是一张照片。

从一开始我们就没有对照片进行这种调整工作吗？观看这段制作黑白照片的视频，其中女孩从9:00开始以“原件”开始，并解释了视频接下来四分钟的“调整”过程。这种事情已经永远做完了。现在只有它可以完成这项工作。毕竟，没有没有改变的照片。

摄影变成数码

如今，在数字时代，每个人都摄影师，并通过精湛的自动模式提高了技术水平，画象运动的信息是否再次引起共鸣？

好问题。什么是旧的，什么是新的？数码摄影是一种全新的方式，并且一直试图像电影摄影一样好看。但与此同时，数码摄影也已经过时了。也许是老摄影师对新摄影师毫不费力（甚至不发牢骚？）的方式感到恼火。就像画家曾经对摄影的感觉一样。

当出现新的艺术创作方式时，并不意味着旧的方式和工具就变得不那么重要了。这不是零和游戏。

我认为这确实是摄影美学的发展。早期的作品也许在定义上起着关键作用，但是很快发现，对象的构图和选择对图像讲故事的影响比仔细的照片操作更为费力。选择镜头前正确位置方面的努力，比试图如此严格地控制开发工作更具成本效益。也可能是由于照片的逼真度提高了，因此没有像在绘画上应用类似概念那样引起共鸣。

也就是说，随着数码工具的出现，使摄影师能够获得更大程度的控制和改进自己作品的能力。我认为我们对Photo-Secession背后的某些概念有了更多不同的回归。捕获镜头前的东西变得越来越少，而改善镜头前的东西甚至发明通过照相工具显示的东西都不存在变得越来越重要。就受欢迎程度而言，它似乎仍然是一个好坏参半的东西，但确实是一种增长的趋势。

策展人注意：

此作品的学识可能尚未被认可。或者可以。
在某些人看来，甚至对于绝大多数人来说，以下关于这个问题的评论似乎是无法获得的。这些可能不是您想要的，继续前进。
否则，作为“第一个”

• 现在，在数字时代，每个人都摄影师，用娴熟的技术出神入化自动模式拉平，
  确实再次pictoralist运动产生共鸣的信息？或者反过来说，
  不容易与软件将照片转换操作“数码艺术”
  意味着对于直摄影纯视觉是最重要的摄影作为一个独立的艺术形式？

被调查者将其视为一个显而易见的事实，即使不是彻底的重言式也是如此，并且“ does-es”的第二个含义与之类似，但是“ mean that”被否认，他试图用一种可能的方式发表评论。开明但可能只是默默无闻的方式将造成这场灾难的根源化为现实，同时毫不理the地认为，单纯的技术卓越是衰退背后的动力。

对克拉克曼南郡座右铭 （即“ Look aboot ye”）的含糊提及仅仅是一种影响。新的格言“ 2007年超出您的想像”本身被认为是一种腐烂现象，不仅限于照相形式的污损，而且已经蔓延到县口号和迄今为止神圣不可侵犯的表达领域。所以...

画报大战-Instagram反击！

我仍在尝试确定什么：
基因改造
和
/ 或脑部手术和/或心理或光学过滤，扭曲
和/或应用程序/模式/插件/ ...
我需要购买/获取/安装/安装/上传/下载/补丁/ ...
到我的湿件系统（或任何其他系统）

让我看到世界和instagram图片，就像其他人显然看到它们一样，
这样我也可以放弃/喜悦/快乐/满意地参加到目前为止看来主要是对旧有的良好日常光学脑饲料的毫无意义的扭曲和毁灭性破坏。

Photoshop进行救援 -我仍在努力...

安塞尔·亚当斯（Ansell Adams）：相反，可能已经走了很多。也许在糟糕的一天里有些措手不及。也许不吧。

回覆

如今，在数字时代，每个人都摄影师，并通过精湛的自动模式提高了技术水平，画象运动的信息是否再次引起共鸣？

明显是的。瞧瞧。
但是，由于您列出的原因，我认为不是。或者，不是主要因素。

我怀疑这更像是XYZT一代的后现代，后后现代，无论我们有什么后代，无论后趋势如何，即时满足，后生活一天，发布[警告：供应的“-”已经用完了”，如果它使人吃饱了，就发布世界新生事物，在我今天上学的路上，到湖边的纸板箱底部都没有鞋子，喃喃自语..重要。

归根结底，成功的艺术是相当多的人发现令人愉悦，动人，有趣的事物，在这里插入您的积极形容词。所有成功的艺术都会在一个人中产生一种情感或感觉，并使他们想要看或体验该艺术。

通过这种度量，数字图像（由于过度的操作而从照片上越过了线）具有艺术的一切权利和可能性。他们只需要成功。

就个人而言，这样的工作必须令人惊奇，才能特别引起我的共鸣。我最喜欢的艺术是基于现实的。汤姆·汤姆森（Tom Thomson）的美丽风景总是对我说的比任何抽象的声音都大。并不是说抽象艺术不是艺术-绝对可以-但这并没有引起我的共鸣。

出于这个原因，从摄影上来说，我一直都在摄影家阵营中。碰巧Ansel Adams是我最尊敬的摄影师之一。碰巧，即使在今天，在数字时代，我也将大部分作品拍摄在电影上，不是因为电影一定很出色（在某些方面，而在其他方面则不是），而是因为电影表达了我的摄影视野很好。我以相同的方式拍摄数码照片-我旨在展现和诠释现实。我可以在黑白胶片上使用彩色滤光片，也可以在数字作品上使用超广角镜头，但记录的场景仍然逼真。您会认识到它们是真实的-但是，如果我成功实现了自己的愿景，您可能会对它们的现实有了新的认识。如果失败了，那是因为我操纵了我的图像，使他们分心。

我在约束自己吗？我不这么认为。我选择忽略数百种潜在的爱好和转移注意力，因为我专注于自己喜欢和喜欢的事物。此外，现实非常有趣。

过去几周，我一直在阅读英国黑白摄影杂志的背刊。到目前为止，我在其中看到的最动人的照片是一组森林的照片。我看过很多树-但是这些照片很漂亮。他们也是现实的。摄影师绝对将他的视野固定在我眼前。

我对通常的视觉准确性感到厌倦-并接受了这样的想法，即聚焦与镜头矫正的眼睛一样是一种幻觉。现在，我至少有一半的时间用于散光看待世界-因为柔和的影像使我同时感到不舒服和安宁。对于从准确的细节中收集的图像，我只是感觉不到。它使我的想像更少，给我的“感觉”也更少。当然，这是我自己的经验，其他人也有自己的方法-但绘画主义，印象派-在没有其他所有上下文的情况下问“这让我感觉如何”的好方法。