这不是另一个“我如何获得一张在LR中插入这样的链接的图片”的问题。这些问题已经饱和（无双关语）。有趣，但不够笼统。
我真正要问的是，人们如何做出后期处理决策，以做出诸如改善肤色，甚至改善任何图像的色彩和亮度之类的事情？
我通常使用它，在Lightroom中触摸控制杆（通常是曝光，对比度和白平衡，有时是饱和度），直到一切看起来正常为止。我个人的目标是写实，而不是经过恶毒的后处理（否则我会在拍摄时变得懒惰）。另外，我拍摄的是RAW，因此相机上的“照片风格”不适用。
但这并不一致。相比之下（也没有双关语），如果您正在寻找构图，照明技术等方面的经验法则，则可以在任何地方找到这些指南，尤其是在StackExchange上。在学习这些东西时，您可以更快地获得一致性。但是对我来说，后处理技术似乎更加随机。
非常有兴趣了解专业人士的想法/在这里做什么。它不可能完全是主观的，是妖术（让我调整一下，看看会发生什么）……还是……？
Answers:
大多数决定都是艺术决定，取决于您自己的个人风格和视野，在某种程度上取决于摄影的种类，无论是风景画还是肖像画，无论是商业的还是非商业的。
在开始之前，您需要对图像的外观有所了解。高调还是低调？鲜明对比，还是轻盈而空灵？每个图像都是不同的，因此没有设置规则适用于每个图像。但是，我将尝试给出一些一般性指导。
我使用Lightroom或Camera Raw，从上至下浏览滑块。
白平衡
我会说，在大多数情况下，这是一项艺术决定。是的，您可以使用白平衡滴管工具来估计“正确的”白平衡，但这通常会使漂亮的图像失去温暖。我经常使用白平衡工具来检查它如何影响图像，并保持诚实，因此我不会过度加温，但是在大多数情况下，我会增加温暖，直到过度加热，然后再将其退回。一点。
对比
在原始转换阶段，我从未碰过对比。我使用Photoshop，更喜欢应用曲线调整图层，可以在需要的地方进行遮罩/画笔。如果仅通过Lightroom处理，则可能会跳过“对比度”滑块，并在进行其他与曝光有关的调整后返回到该滑块。
曝光，高光，阴影，黑色，白色
对于大多数图像，我需要从黑色到白色的所有色调。也就是说，对于大多数图像，我希望直方图从左到右扩展。假设我试图获得这样的形象，我的想法将是这样的：
总体曝光大致正确吗？
如果图像太暗，我将增加曝光。太轻，会减少它。显然不是要获得漂亮的直方图，而是要获得漂亮的图像。例如，高调图像可能恰好在右侧。我确实尝试在相机内固定曝光，但是有时您无法做到，或者您有意向右曝光。另外，如果两端有任何修剪，我都可以调整整体曝光。通常，我不需要触摸“曝光”滑块。
接下来，直方图的端点如何？
如果调整曝光后仍然修剪黑色或白色，或更常见的是，如果它们没有延伸到直方图的边缘（这意味着我没有纯黑色或白色），那么我将使用“黑色/白色”滑块扩展直方图，直到获得完整的色调范围。显然，这在某种程度上是一种艺术上的决定，但是对于那些想要完整色调范围的图像，这是实现这一目标的最佳方法。
高光和阴影看起来如何？
我很少使用“高光和阴影”滑块来微调明暗区域。大多数图像根本不需要。我会增加例如在背光图像上的阴影滑块以减轻主体的亮度，如果我有大量的白云并且想要稍微增强对比度，则可以减少高光滑块。
明晰
清晰度的提高会给人以更好的对比度和细节的印象。降低清晰度会给水或云带来梦幻般的美感。我认为这纯粹是艺术选择。我通常不会在RAW转换器中进行清晰度调整，直到以后再留在Photoshop中，在那里我可以使用锐化，局部曲线调整或诸如Topaz Detail / Adjust之类的效果滤镜在本地实现类似的效果。
饱和度/饱和度
我很少在Camera Raw中使用饱和度或振动度。如果图像中的颜色看起来很平坦，我可能会增强鲜艳度，但是通常我会在稍后的Photoshop中对选择区域或选择的颜色进行处理。另一种艺术选择-做正确的事。请注意不要剪辑任何频道。充满活力是比较安全的选择。
不，实际上没有这样的规则。这是通过自然能力或通过实践（或两者都有）来关注这些事物的地方。它是主观的，但不是任意的，它是艺术，而不是妖术。
最终，您将针对自己的感觉发展个人风格。许多摄影师展现出非常独特的个人风格。您提到“专家”，值得考虑一下，因为在那里，最重要的是客户的品味。如果您要拍摄小镇肖像，则可能要带一些“流行”的直截了当的外观。几年前，我的祖父母拍摄了他们的肖像，而摄影师坚持认为柔焦的外观是一种艺术选择，但我的祖父母却很沮丧–完全没有他们的口味。但是，如果您是婚礼摄影师，那么“梦幻”的外观可能不会错。或者，如果您的目标是面向大众市场的“艺术品”销售，从我在拉斯维加斯的一家画廊中所看到的来看，您可能想提高饱和度，直到眼睛流血并绘制色调图，直到光晕扼杀整个场景为止。如果您正在寻找画廊的代表，这将有助于您了解当前的美术趋势（即使希望您自己的作品能够突破这个极限）。但是，如果您要寻求一种更持久的艺术，或者为了自己的个人满意而工作，那么您就必须成为自己的听众。
我认为“规则”对于构图来说很常见，因为相机无法自动为您完成。相机可以平衡曝光，但是无法选择将拍摄对象居中的位置。这些合成规则通常是可疑的，但是当您自己不知道想要什么时，它们会提供一个基本框架和舒适的起点。
但是，如果您不知道视觉样式的外观，则可以选择预设，可以是相机中的“图片样式”，也可以是RAW转换器中的预打包设置。在黑白胶片摄影的早期，情况并非如此，您可以找到该时代收集的很多智慧（以及一如既往的可疑的说明性主张）。由于使用了不那么柔韧性的彩色胶片，这种方法遭受了严重的创伤，尽管数字技术带来了灵活性，但它也带来了易于包装的预先制成的“外观”，因此患者不太可能完全康复。
也就是说，在朝着这种风格努力时，我可以想到一个准则：适度的一切。这通常表示为：在获得所需的特殊效果后，将其调回强度的一半并继续使用。但是，就像那些构图规则一样，这是一条保守的路线，而保守在艺术中很少是一种著名的价值。因此，您可以尝试相反的做法：胆大一点。当然，几年后您可能会有些尴尬地回头看您的作品，但是至少您不会因为胆小而受到指责。
刻意帮助。在这里，无限的灵活性是您的敌人。它可以让您做任何您想做的事情，这会使您难以适应自己的个人需求。因此，这里是尝试的一种方法。...放下数码相机，拿起旧的胶卷机身。宾得K1000，尼康F，也许是佳能的测距仪。拿起几卷柯达Portra 400，Fujicolor 160NS和Ilford Delta1600。或者，至少放下RAW转换器并选择其中一些图片样式-投入了大量的研发工作，因此它们实际上是相当不错的。如果您的相机允许您（希望可以）根据您的个人喜好对其进行调整（例如增加对比度），但是一旦进行了一些调整，就暂时保留一下。如果您的相机这样做，您甚至可能想要拉出“艺术滤镜”。有效，您正在寻找的经验法则成为程序化的。
花三周规则故意花一周时间拍摄并不会自动使您成为更好的摄影师，但这仍然是一个不错的练习，因为如果您这样做并仔细检查结果（不仅要评估规则的应用，还要评估整体效果），您会更清楚地知道自己想做什么，以及为什么。同样，拍摄几卷不同类型的胶片，或选择一组预设并坚持一段时间。（如果这太痛苦了，您可以始终使用RAW + JPEG，这样一来，如果您获得一生一次的拍摄，那真的是“难过”了，真的，真的不应该应用这种绿色转换。）做这项工作，你可能就不会想继续工作永远是这样，但我认为这将帮助你找出你怎么做 希望您的图像看起来。
比颜色分级更重要的是，您在一个系列中的颜色分级具有一致性。通常，您可能要确保一系列照片流畅地进行，尽管有时您也希望它们之间存在很大差异。
正如其他人所提到的，这里除了一般美学之外没有其他规则。您要么有眼，要么就没有。相应地使用您的艺术感和色彩。如果您想发展自己的技能，请花一些时间研究自己喜欢的作品并了解它们之间的平衡，然后尝试复制它们。
一段时间后，您会发现图像的哪些部分不在您想要的位置，并且可以根据自己的需要进行调整，以实现所需的外观。
另外，不要害怕按照自己的方式去做。人们的色彩等级可能更能说明摄影师是谁，而不是摄影的任何其他方面。人们肯定会展现出自己喜欢的外观，如果他们擅长于颜色分级，那么他们的许多照片将具有相似的总体外观。由于拍摄对象不同，因此每次拍摄都必须有所不同，因此美学要求在风格上稍有不同，但是通常有些事情可以使它变得可识别。
我个人通常会偏于过度对比，寻找一个丰富的黑点，细腻但相当强烈的阴影，正好达到峰值之前的高光以及整体上充分饱和（但不过度饱和）且色彩强烈的图像。有时，我会为过高的亮点添加一些细节，但是我通常会在很大程度上避免这样做。
有些人喜欢更暗，更亮，有些超现实的对比度，有些更褪色和风化的外观。在极端的艺术风格方面，有些甚至会扭曲颜色，以至于无法识别原始场景。艺术家完全由您决定自己喜欢什么。
实际上没有指导方针。您需要学习定位，裁剪，构图。艺术运动的指导原则在色调和方法上并不严格。对于摄影，您可以查看并搜索要练习的飞行员或先驱者。从一开始到今天 例如，从理查德·艾维登（Richard Avedon）到帕特里克·德马谢里尔（Patrick Demarchelier）进行时尚摄影。作为专业摄影师的建议-我自己：D-如果您不喜欢非对比后期产品，则照片中始终带有黑白。